水彩画の絵の具【塗り方5選】基本と失敗回避術

と悩んでいませんか？

水彩画の表現力を左右するのは、絵の具の良さだけでなく「塗り方」の基本をどれだけ理解しているかです。

この記事では、プロの画家や経験者が実践する「水彩画 絵の具の塗り方」の基本から応用までを、失敗例と合わせて徹底解説します。水の量や筆の動かし方のちょっとしたコツを知るだけで、あなたの絵は劇的に変化します。

この記事を読めば、あなたはムラなく美しいグラデーションを描けるようになり、水彩画ならではの透明感と深みのある作品を作れるようになります。かなり内容の濃い記事ですので、参考になると思います。さあ、一緒に水彩画の表現力をワンランクアップさせましょう！

水彩画の塗り方テクニックに入る前に、まず画材の選び方と準備の段階でつまずかないための基本を押さえておきましょう。塗り方の効果は、使用する道具の特性によって大きく左右されます。

水彩絵の具の種類と特徴（固形・チューブ）

水彩絵の具には大きく分けて、固形タイプとチューブタイプの2種類があります。

• チューブタイプ: 濃度が高く、パレットに出して水で溶いて使います。濃い色を大量に使いたい場合や、広い範囲をムラなく塗りたい場合に適しています。また、色を混ぜやすく、繊細な色作りがしやすいのが特徴です。
• 固形タイプ: 持ち運びに便利で、筆に水を含ませて直接絵の具の表面をこすって色を溶き出します。手軽に始められ、野外でのスケッチなどに便利ですが、広い面を均一な濃度で塗るのはチューブタイプよりやや難易度が上がります。

それぞれの特性を理解し、描きたい作品や環境に合わせて使い分けることが重要です。

ムラなく塗るための水彩紙と筆の選び方

塗り方をマスターしても、紙や筆が合っていなければムラになってしまいます。そこでここでは、簡単に水彩紙と筆の選び方もご紹介します！

水彩紙の選び方

水彩画には、必ず水彩専用の紙を使いましょう。厚みがあり、水を吸っても波打ちにくい「厚口（300g/m²以上）」のものがおすすめです。紙の表面の凹凸（紙目）によって、絵の具の乗り方やにじみ方が変わります（細目、中目、荒目）。イラスト系は細目を選ぶ方が多いです。迷ったら中目を選ぶか、お試しパックもあるので、そちらを一度試してみるといいと思います。

筆の選び方

広い面を塗る際には、大きめの筆を使うのがムラを防ぐ最大のコツです。大きな筆は絵の具と水をたっぷり含むため、一度に広範囲を塗ることができ、乾燥による色の境目（重ね目）ができにくくなります。細部の描写には、穂先が利く小さめの筆を用意しましょう。

絵の具を混ぜる「パレット」と水の準備

パレットは白く、色の変化が分かりやすいものがベストです。絵の具の溶き方にもコツがあります。水彩画では、白くしたい部分は紙の白さを生かすため、基本的に白色の絵の具は使いません。色の濃淡は水の量で調整するのが基本です。

正しい溶き方

パレットで絵の具を溶く際は、水を少しずつ足して濃度を調整します。濃くしたいからといって絵の具の量を増やしすぎると、乾いた時にベタッとした質感になり、透明水彩らしい透明感が失われる原因になりますので気を付けてください。

また、他の色が混ざらないように注意しましょう。濁りの原因になりせっかくの透明感が失われてしまいます。

水の管理

水を多めに使う水彩画では、筆を洗う水と、絵の具を溶く水は別々に用意すると色が濁るのを防げます。

水を混ぜる用のバケツと、筆を洗う用のバケツを間違えないようにしましょう。筆洗用の水で色を溶いてしまうと、パレットの色が濁り、せっかくの透明感が失われてしまいます。

目安はこのくらい👇濁った水で底が見えなくなるくらい。この状態で水をつけますと紙に色がついてしまいます。わたしはその都度交換していますよ。

結論から言わせていただきますと、わたしがおすすめする🔰初心者さんが最初に選ぶ絵の具は、断然「固形水彩」です。筆やパレットがセットになっていることが多いので、いろいろ考えて揃える必要もなくすぐに始められるので固形タイプをおすすめします！

また、携帯にも便利なので、野外でスケッチをしたいときには固形一択です。

実は、チューブタイプも固形のようにパレットに出して数日乾かしてから使うことで、固形のように使うことができます。わたしはこの使い方がスタンダードです。ただ、広い面を塗るときや、多くの絵の具を色鮮やかに出したいときは、チューブから出したものを使用したほうが断然発色も伸びもいいです。

透明水彩で透明感を出すなら、水を多く使うことですが、使う絵の具によっても透明感の出方に差があります。個人的に思うのは、固形だから、チューブだから、というよりも、絵の具メーカーによって素材の割合や質が異なるため、一概にこっちのほうが透明感でるよ！とは言い切れないところはあります💦ただ、ホルベインやウインザーニュートンコットマンは質もコスパもやはりいいですね。チューブか固形で迷うなら、こちらの二択でいいと思います。あとは、色の好みもあるかと思いますので、色見本を参考に選んでみてください。

ホルベインは落ち着いた色味。ウインザーニュートンコットマンは鮮やかな色味が特徴です。この色見本を作って半年くらい経つのと光が当たるところなので経年劣化も多少ありますが、色あせ感がほとんど見られないのでさすがの一流メーカーさんです✨

【基礎編】水彩画 絵の具の基本の塗り方5選

1. 平塗り：ムラなく均一に塗るテクニック

「水彩画 絵の具 塗り方」の核心となる、全ての表現の土台となる基本技法を5つ紹介します。これらをマスターすれば、あなたの表現の幅は大きく広がります。

平塗り（ウォッシュ）は、画面全体や特定の範囲を均一な色で塗る基本中の基本です。しかし、これが最もムラになりやすく、初心者にとって最初の関門となることも多いです。

水の量を適切にコントロールするコツ

• 水が多すぎると、紙の上で水たまりができたり、意図せず色がにじんだりする原因になります。
• 水が少なすぎると、絵の具が紙に定着する前に乾燥し、筆跡が残りムラの原因となります。
• 目安としては、「絵の具を塗った部分が、少し傾けるとゆっくりと流れるが、水たまりはできない」程度の濃度と水量です。

使用画材：
・ホルベイン透明水彩　コバルトブルーヒュー

・ナムラｓｗ平筆１４号

・ビフアール水彩紙　スケッチパッド粗目Ｂ5サイズ

筆の動かし方とスピードの重要性

• 大きな筆に絵の具をたっぷり含ませ、一方向に向かって一気に塗り広げるのが重要です。
• 同じ場所を何度もゴシゴシ塗ったり、途中で筆を止めたりすると、絵の具が乾く速度に差が出てしまい、ムラができます。
• 「塗ったら触らない」を基本とし、乾く前に塗り切るスピードが求められます。

2. グラデーション：美しい色の変化を生み出す

グラデーションは、空や背景など、色の濃淡を滑らかに変化させる技法です。

色を自然につなぐ「ぼかし」の活用

濃い色を塗った後、その色が乾ききる前に、水だけを含ませた別のきれいな筆（または最初の筆を拭いたもの）で境目を優しくなぞって色を伸ばすことで、自然なぼかしが生まれます。

二回くらい重なったところを優しくなぞるときれいに境目がなくなりますよ。この時、水で少し絵の具を洗っては重ねて、を繰り返すのですが、水分が多いと失敗の原因にもなりますので、慎重に行ってください。たっぷり筆に水を含んだ状態だと、バックラン状態になりかねます。

複数の色でグラデーションを作る方

• あらかじめパレットで違う色を何色か作っておき、それぞれの筆で何度かなぞりグラデーションしていく方法。
• または、紙を斜めにして、最初に濃い色を塗り、その下に薄い色の絵の具を足していき、重力で色が混ざり合うようにコントロールする方法もあります。

同じ太さの筆でなくてもOK👌今回はナムラswの6号と１４号を使いました。ただし、広い範囲を塗るときは幅広の筆がムラなく塗れておすすめです。

3. にじみ：水彩画ならではの柔らかな表現

にじみ（ウェットインウェット）は、水彩画の大きな魅力の一つです。先に濡らした紙の上に色を落とす、または乾ききらない色の上に別の色を落として表現します。

意図的ににじませる「ウェットオンウェット」

描きたい場所に水だけを均一に塗り、紙がキラキラ光っている（乾ききっていない）うちに、絵の具を溶いた筆の穂先をそっと置きます。絵の具が水に乗ってフワッと広がっていくのが特徴です。

予期せぬ「バックラン」を防ぐには

塗った色がほぼ乾きかけている状態で、水分の多い絵の具や水滴を落とすと、絵の具が押し戻されてカリフラワーのような模様（バックラン）ができます。きれいに塗りたいときは、完全に乾くのを待つか、完全に濡れている状態のどちらかで作業を進める必要があります。

4. 重ね塗り：深みと立体感を出すレイヤー技法

透明水彩は、乾いた上に薄い色を塗り重ねることで、下の色と混ざり合いながら深みを出します（レイヤリング）。

透明感を保つための色の選び方と順番

• 必ず下の色が完全に乾いてから次の色を重ねてください。乾ききっていないと色が濁ってしまいます。
• 基本は「薄い色から濃い色へ」です。
• 彩度の高い色（鮮やかな色）の上に、落ち着いた色を重ねることで、色に奥行きが生まれます。

乾いてから塗る「ドライインウェット」

完全に乾いた紙に色を塗る基本的な塗り方です。色の境界線がはっきりと出るため、細部の表現や明確な形の描写に適しています。

5. かすれ（ドライブラシ）：質感表現のポイント

筆の水分を極限まで少なくし、乾いた筆（ドライブラシ）で絵の具を擦り付けるように塗る技法です。

水分量を抑えた筆で描く繊細な表現

• 筆に絵の具をつけたら、ティッシュやガーゼで水分と余分な絵の具を極限まで吸い取ります。
• サッと紙を撫でるように描くと、紙の凹凸によって絵の具が乗る部分と乗らない部分ができ、木の幹や岩、草むらなどのザラザラした質感を表現できます。

水彩画の「塗り方」を上達させる実践テクニック

こちらでは単に技法を知るだけでなく、それを作品に活かすための実践的な応用方法を解説します。

初心者が陥りやすい失敗例と解決策【写真で解説】

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「絵の具が濃すぎる・薄すぎる」の調整

水彩画では、乾くと色が塗った直後より薄くなります。そのため、塗っている最中は「少し濃いかな？」と感じるくらいがちょうど良いことが多いです。

• 薄すぎた場合は慌てず、完全に乾いた後に同じ色を重ね塗りして濃度を上げましょう。
• 濃すぎた場合は、水を含ませた筆で優しく色を溶かし、ティッシュや乾いた筆で吸い取ることで調整できます。

「塗りの境目がはっきり出てしまう」の回避術

これは、隣接する部分を塗る際に、前の色が完全に乾いていなかったり、筆を途中で止めて乾燥速度に差が出てしまったりすることで起こります。

解決策としては、塗り始めの薄い色を最初に全体に塗り広げ、乾いてから立体感のための濃い色を重ねていく「薄い色からの重ね塗り」を徹底しましょう。または、境目から離れた場所から塗る「飛び飛び塗り」も有効です。

光と影を意識した表現で作品に奥行きを出す

塗り方において最も重要なのは、光と影の表現です。

白い部分は「塗らない」が基本

水彩画では、最も明るい「ハイライト（光が反射している部分）」は、基本的に紙の白さをそのまま残します。ここに色を塗ってしまうと、輝きを失い、作品全体が沈んでしまいます。

影は「濃い色」ではなく「深い色」で表現する

影の部分に真っ黒や灰色を塗ると、作品が重くなりがちです。影は、使っている色（例：リンゴの赤）に、補色（緑）や暖色系の濃い色を混ぜて作ると、濁らずに深みと奥行きが生まれます。

色を濁らせたくないからと、影を単色で表現しようとするのはNGです。影もまた、光を受けているため複雑な色味を持っています。補色を少し加えることで、ぐっとリアリティが増しますよ。

実際のモチーフで学ぶ！塗り方の手順とコツ【応用編】

具体的なモチーフを通して、塗り方の順番の重要性を学びましょう。

風景画の空や木を効果的に塗るには

風景画では、「薄い色から、奥のモチーフから」塗るのがセオリーです。空（薄い青）→遠景の山（薄い緑）→主役の木や建物（濃い色）の順番で塗り進めると、色が混ざらず、自然な奥行きが出ます。

静物画で質感や立体感を出す塗り方

リンゴなど丸いモチーフでは、光の当たる場所を塗り残し、その周りから徐々に濃い色を重ねていくことで、球体の立体感を表現できます。質感（光沢など）は、ドライブラシやハイライトの塗り残しで表現します。

正直わたしは、そもそも塗る順番というのに正解はないと思っています。あなたが塗りやすいように塗るのが正解です。しかし、水彩を使うにあたってある程度は塗りやすい順番というものはあります。

透明水彩においては、「薄い色からのせていく」という一種のルールのようなものがあります。これは逆を考えれば一目瞭然で、濃い色の上には薄い色をのせてもほとんど発色せず効果が半減してしまいます。そうは言いながらも、上から薄く色をのせることもあります。これは、画面を一体化させるために使うことが多いです。なんだか色があっちこっちいってるな、と感じたときや背景とモチーフがバラバラだと感じたときにぼかしとして使うためです。まあですから、正解はないと思うのです。

こうしてわたしが言うことも一つのやり方であり、あなたのやり方にははまらない可能性もあります。とにかく初心者さんは、ご自身で何度もチャレンジして、自分なりの方法を見つける旅に出てみてください。陰ながら応援していますよ♡

ちなみに私のやり方をざっくりいいますと…①背景→➁モチーフ　の順に塗るのが一番しっくりきています。

背景はあくまで感情や空気感・雰囲気を表現するものであり、基本は「薄く淡く」を心掛けています。そうすることでモチーフが際立ち、絵がよりよく見えるのではないかと思います。わたしは、絵に「物語」という付加価値をつけることで作品の価値を上げています。いつも物語を意識したときに自然な流れになるように描いて(塗って)います。

プロの画家さんにも、実は「順番の流儀」があります

画集や制作映像を見ていると、塗る順番にも個性があることに気づきます。

たとえば、
Joseph Zbukvicさん のように、
最初に画面全体の空気感を一気に作るタイプ。

一方で、
永山裕子さん の作品を見ると、
モチーフをひとつずつ丁寧に完成させているように感じることもあります。

なぜそんな順番なのか？

（※あくまで、作品を見て感じたわたし個人の印象です）

そして私は…まだ模索中ですが、最初にうっすら全体の色を置いてから、
少しずつ整えていく方法が今はしっくりきています。でも、正解はひとつじゃないんですよね。

【体験談】プロが教える！水彩絵の具を「もっと楽しく」使うヒント

水彩画の技術を高めるだけでなく、制作を長く楽しむための心構えや、経験者ならではの視点を取り入れます。

上達が加速する！練習方法とモチベーション維持の秘訣

上達への近道は、とにかく「手を動かすこと」です。何度もいいますが、とにかく楽しく描くこと、そしてその都度工夫して改善していくことが必要です。

基本の繰り返し練習

美しい平塗り、滑らかなグラデーション、意図的なにじみといった基本の技法をA4サイズの紙に繰り返し練習する時間を持ちましょう。作品を描く時間とは別に、基本訓練の時間を設けることで、いざ作品を描くときにスムーズに手が動くようになります。

なんでもそうですが、いきなり逆上がりできない子に逆上がりして見せろったってできっこないのは当然。下手でも失敗してもとにかく練習あるのみです。あとはできる人に相談して改善していく、これを繰り返していくと、これまた当然上達していきます。とにかく毎日の習慣にしてしまいましょう！おのずとレベル上がりますよ。習慣化が苦手な方にはこちらの記事もおすすめです。

完成させなくてもいい気軽さ

「完璧な作品に仕上げなければ」というプレッシャーは、創造性を妨げます。練習のためのスケッチや、単なる色の実験を楽しむくらいの気持ちで筆を握りましょう。

練習は「基本の技法」をメインに。平塗りのムラが減るだけでも、作品の完成度は格段に向上します。でもあくまで楽しくやれる方法が一番です。自分が楽しくできるようにくふうして技法習得していけたらサイコーですね！✨

道具へのこだわりと作品制作の裏側

道具選びは、単なる機能だけでなく、モチベーションにも大きく影響します。ここでは、わたしのこだわりの画材と制作の裏側について深ぼってみましょう。

道具を愛でる時間を持つ

お気に入りの筆やパレットを手入れする時間は、次の制作への活力を生みます。そして道具を大切に扱うことは、作品を大切にすることにつながります。

実はわたし、フラット塗りとグラデーションがほんとーーーに苦手で、ほんとーーーに何度も失敗しました。きれいに仕上げるのって簡単そうに見えて実はとても難しい💦たった赤一色、５センチの四角を塗るのにとても苦労しました。何度も心がくじけそうになりました。悔しくて、泣いて泣いて、できないできない～💦ってなってるときはほんと出来なくて…でもこればかりは練習あるのみ。とにかく手を動かしました。そして教材を読み漁ったり、SNS発信されてる方の動画やそれこそブログも読ませていただいたりと知識もつけました。

あるところで気づいたんです。あ…これ、チカラ入れすぎだ。って。

そう、私の場合、一番の失敗ポイントは変なチカラが入って筆後が残ってしまったことでした。もちろん水が多すぎたり少なすぎたりでうまくいかなかったことも原因の一つではありました。水彩は水と筆と呼吸を合わせるように繊細に優しく筆を滑らせるとうまくいくような気がしています。たくさん失敗することでここに気づくことができたので、大事な学びの過程だったなと思っています。これ、今思えばがっちがちに心も固まってしまっていて余裕なかったから表現にも影響していたんだろうな～と思います。

あなたはどうですか？ぜひ今までの記事を参考に、まいにち楽しく練習を重ねて上達への階段を進めていってくださいね♡

まとめ：水彩画の塗り方をマスターして表現の幅を広げよう

この記事では、水彩画の道具選びから、「平塗り」「グラデーション」「にじみ」といった基本の塗り方、そして実践的な応用テクニックまでを解説しました。

水彩画は、水がもたらす予測不能な美しさが魅力です。いわゆるムラやにじみといった「失敗」と言われるものも、時にはあなたの作品に唯一無二の表情を与えてくれます。大切なのは、基本を理解した上で、恐れずに筆を進めることです。個人的にはムラやにじみを失敗だとはとらえていません。「それを含めてのわたしらしい絵」だと思っています。あなたが呼吸するように、わたしも絵も呼吸できる余白や空気感までを大切に描いています。それこそ水彩の最大の魅力ではないでしょうか。

あなたも今日学んだ技法や考え方を参考に、あなただけの美しい水彩の世界を広げていってみてはいかがでしょうか。

よくある質問（Q＆A）

最後に、よくある質問をQ&A形式でお伝えします。よかったら参考になさってください。